«Une pièce à tiroirs où les siècles et les récits s’entremêlent. Cette création emporte le spectateur dans un tourbillon historique et romanesque qui fait rêver, rire, s’interroger sur les hasards de la vie et les tours joués par le destin.»

«Le rythme est vif, les numéros de magie facétieux, la fantaisie et l’invention de tous les instants.»

«Joyeux, brillant, virevoltant, magique !»

«Six comédiens formidables incarnent une trentaine de personnages et passent d’un rôle à l’autre avec une éblouissante virtuosité. C’est drôle, émouvant, passionnant. Un spectacle jubilatoire et brillant fondé sur la magie même du théâtre. Bravo !»

«Vous qui allez au théâtre pour que l’on vous raconte de belles histoires, courez voir Le cercle des illusionnistes !»

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Les yeux ouverts, elle est mariée avec Paul, placide dentiste, et consacre ses journées à sa boutique de lingerie. Mais les yeux fermés, à moins qu’ils ne soient alors ouverts plus largement encore, Helen est l’amante de Robert, star d’Hollywood, tandis qu’elle incarne elle-même à travers le monde sa griffe à la mode… Cette promenade entre la réalité et le rêve, le vécu et le fantasmé, serait banale si les deux espaces temps ne finissaient par s’entremêler : laquelle des deux existences sera ruinée par le surgissement de l’autre ? Laquelle, d’ailleurs, est la plus heureuse ?
Si la comédie d’Antoine Rault échappe au statut de simple divertissement léger, c’est pour deux raisons. D’abord, parce que l’auteur nous emmène, à suivre les tribulations sentimentales d’Helen, vers les interrogations fondamentales de son œuvre. Comme dans Le Caïman (un philosophe finit, tel Althusser, par étrangler sa femme pour échapper aux rets de l’existence), comme dans L’Intrus (relecture du mythe de Faust), Rault s’aventure sur la frontière impalpable entre la vieillesse et ce qui suit, entre ce moment où l’on s’interroge sur ce que l’on a fait et vécu sur terre et celui où l’on affronte l’éternité. Depuis plusieurs années, il cherche là une vérité sur la nature humaine, une définition de la destinée et les secrets de l’accomplissement. Helen Cox n’a pas la puissance du “caïman”, mais elle est proche de nous, elle est dans cette moyenne de vie dont on ne sait si elle signifie l’équilibre ou la médiocrité.
La seconde raison qui hisse cette œuvre au-dessus de ses apparences, c’est la complicité dynamique du duo d’acteurs. Christelle Reboul et Jean-Pierre Michaël mettent leurs enthousiasmes à l’unisson, ils additionnent un goût du jeu et un sautillement comique qui sont autant de bulles dans l’eau pétillante. Ainsi, l’agrément se joint à l’empathie pour emporter l’adhésion du spectateur.

Dans une comédie douce-amère signée Antoine Rault, une femme confronte ses rêves et la réalité de son couple. Le sujet, rabâché depuis Gustave Flaubert, est traité avec beaucoup de justesse par Christelle Reboul et Jean-Pierre Michaël.
Son amant est un acteur hollywoodien. Grand brun tendance vieux beau, il « adooore » l’art contemporain et la drague dans des vernissages branchés. Son mari, simple mortel pétri d’angoisses, lui ressemble comme deux gouttes d’eau. Sur la scène du Théâtre La Bruyère, les deux personnages sont d’ailleurs incarnés par le même comédien, Jean-Pierre Michaël.
Entre ces deux hommes, le cœur d’Helen Cox bringuebale. Il y a le fantasme et, bien sûr, la terne réalité. « Voilà où cela me mène, toutes ces comédies à l’eau de rose », se plaint-elle, perdue entre deux âges de la vie. La référence est assumée. La vie rêvée d’Helen Cox, c’est un peu l’amour selon Emma Bovary (qui à l’époque, préférait les livres) et Monsieur Haumais, pharmacien du village et figure d’un pragmatisme désenchanteur. Le mari d’Helen n’est que dentiste, mais lui ressemble en tous points.
Entre les deux comédiens, s’érige un grand lit double à l’horizontale. Là où se disputent et se rejoignent les corps et les cœurs. Un mari, une femme, un amant et un lit… Malgré son apparence trompeuse, la pièce d’Antoine Rault ne ressemble en rien à un Vaudeville. Il n’y a pas une once de trivialité, pas de portes qui claquent… On alterne plutôt entre Les Feux de l’amour, dont la mise en scène de Christophe Lidon se moque éperdument, et des scènes de la vie conjugales beaucoup moins pétulantes. Cela en devient tristement réaliste.
Tour à tour passionnés, désabusés, nostalgiques, Christelle Reboul et Jean-Pierre Michaël s’attirent et se repoussent comme les deux faces d’un aimant. La mise en scène les accompagne. L’intrigue, on la connaît. Les passions des Hommes se calment avec l’âge : ils retrouvent

La vie n’est pas un songe
Helen aime Paul. Paul aime Helen. Tout irait bien, si Helen n’avait un fonctionnement mental particulier, charmant mais incommode : elle rêve autant qu’elle vit, elle confond la vie et le rêve. Cela arrive à bien des gens, mais Helen, dans les songes où elle s’absorbe jour après jour, trouve une ressemblance très forte entre Paul et un acteur de cinéma qui a une dégaine assez cousine. Aussi Helen se met à vivre fictivement une folle aventure avec la star et, dans le monde réel, s’éloigne de Paul qui voit la femme aimée s’en aller et tout casser avec incohérence. Mais, dans les rêves, la star hollywoodienne devient odieuse. Helen revient à la réalité, partiellement car, même pour aller rejoindre Paul, elle emprunte le chemin du songe. Elle se met à rêver son retour vers Paul et à une vie définitivement associée à Paul. A force d’être à côté de la plaque, elle pourrait se retrouver en son milieu ! L’imaginaire et la réalité pourraient, enfin, cesser de se regarder en miroir et l’amour pourrait être, enfin, vécu sans les mensonges des illusions. Contrairement à ce qu’ont cru Calderon et Helen, la vie n’est pas un songe.
Antoine Rault, maître en pièces historiques (Le Caïman, Le Cardinal rouge, Le Système), s’offre un détour dans la miniature intime. Et c’est un miracle d’écriture, un bijou façonné avec une délicatesse extrême en chacun de ses éléments. Le thème du personnage s’échappant dans le rêve a beaucoup servi notamment au cinéma. Rault le renouvelle avec cette invention, un peu déconcertante, d’une héroïne qui change de ligne dans son rêve, en passant du double fictif à l’homme réel mais lui aussi transformé par un refus de la réalité. Autrement dit, on glisse d’un irréel un peu burlesque à une réalité intermédiaire, d’une étape fantaisiste à un épisode où la descente vers la terre s’effectue selon une autre logique de la conscience endormie. Bien que tout soit perçu à travers l’égarement du personnage féminin, l’auteur s’offre quelques moments satiriques, contre l’art contemporain et le narcissisme des vedettes, tout à fait réjouissants.
Christophe Lidon représente la pièce en séquences cadrées comme au cinéma. Selon l’emplacement et la lumière, les personnages ne sont pas dans la même aventure et le même état d’âme. Ils sont dans un salon, ou dans un lit vertical ! Il y a là tout un jeu subtil de mise en scène qui se refuse à expliquer et guide le spectateur à travers les degrés d’un quotidien insolite et les effets de contrastes délicats. Jean-Pierre Michaël incarne l’amant et son double fictif dans un style franc, avec une puissance claire, comme pour affirmer et dessiner une vérité en un monde où les repères changent ou disparaissent. Dans le rôle de la jeune femme qui s’enfuit pour fuir in fine ses dangereuses rêveries, Christelle Reboul s’affirme comme une interprète exceptionnelle. Elle est d’un cristal frappé, brisé et chanté. Chez elle, l’âme et le corps mènent une danse permanente où les figures toujours variées donnent naissance à nos états d’âme les plus légers et les plus graves ; l’émotion et la vibration parcourent un diapason aux fréquences infinies, dans le jeu parlé comme dans la liberté gracieuse des gestes.
Dans La Vie rêvée d’Helen Cox, tout n’est que parfait vibrato.

Gilles Costaz

«Un spectacle d’utilité
publique. La mise en scène laisse le champ libre à la profondeur du propos que porte le comédien avec une conviction impressionnante. Face à ces plaidoiries qui ne sortent jamais des prétoires, on est saisi par l’émotion et la révolte qui pèsent si lourdement sur les épaules d’un avocat confronté au pire ou à l’injustice. Immanquable.»

 

«Des mots puissants»

«Richard Berry est saisissant. Remarquable.»

«Une force incroyable.»

«Du grand art»

D’Œdipe roi à Britannicus, de Hamletà La Mère(Florian Zeller), les relations mère-fils n’ont cessé de nourrir le théâtre. Parce que les auteurs, en majorité masculins, y avaient des comptes à régler avec leur génitrice ? François Bégaudeau s’inscrit dans la lignée. Le Lienmet face à face une modeste retraitée de la fonction publique (Catherine Hiegel) et son écrivain de fils (Pierre Palmade) venu déjeuner avec elle. Et la mère parle sans fin de choses anodines, dans un flux exaspérant de détails quotidiens de rien. Pour masquer le vide ? Pour cacher sa gêne face au fils qui a réussi, fréquente désormais d’autres milieux que le sien, navigue dans des territoires intellectuels qu’elle peine à aborder ? Le fils s’exaspère de l’absence de questions qu’une vraie mère aimante devrait lui poser sur sa vie. Il enrage de ce qu’il croit indifférence. Le déjeuner dégénère et ce « lien-là » se tend jusqu’à se rompre… Quelle est la relation adulte des fils à celle qui les a fait naître, puis a fait d’eux les hommes qu’ils sont devenus, machos ou non ? Dans le sobre décor d’une salle à manger, François Bégaudeau décortique le rapport ogre de la mère au fils sans qu’on ne sache plus qui mange qui. Catherine Hiegel est exceptionnelle de vérité, de force, de détresse sous l’humour, face à un Pierre Palmade étonnant de rigueur dramatique. Elle bouge peu, parle beaucoup, manie les silences et les regards en sorcière de la scène, horripilante et bouleversante, pudique et extravertie.

Fabienne Pascaud

Dans la pièce « Le Lien », l’écrivain François Bégaudeau explore la difficulté de communiquer au sein de la famille. La pièce s’ouvre sur un long, très long monologue. Celui d’une femme, Christiane, (Catherine Hiegel) d’origine modeste, retraitée, assise à table, en fin de repas. Des propos décousus qui ne semblent guère intéresser son grand fils Stéphane (Pierre Palmade), assis en face d’elle, silencieux. Pire : le trentenaire se lève, agacé, annonce qu’il va écourter sa visite et partir. Partir pour ne plus revenir.
Le salon d’un petit appartement de province devient le théâtre, ou plutôt le ring, d’un combat au cours duquel certains mots frappent comme des coups de poing. Le fils reproche avec véhémence à sa mère de ne pas s’intéresser à lui, de ne pas lui poser de questions sur sa vie, son métier d’écrivain, de ne pas lire ses livres. Le cadet est devenu un intellectuel parisien connu. De passage à Rennes, à l’occasion d’un événement littéraire, il en profite pour voir Christiane. À chaque fois, le fossé, semble-t-il, se creuse un peu plus. Et toujours le fils bute sur un paradoxe. Pourquoi supporte-t-on de sa famille ce que l’on ne supporterait pas de ses amis ? Et en déduit, cinglant : « La famille est une zone de non-droit. »
Tension familiale et rire bienvenu
Dans le périmètre étroit de cette relation filiale, chaque protagoniste semble parler une langue différente. Pour lui faire prendre conscience de leur absence de dialogue, Stéphane prend des exemples du quotidien, emploie des métaphores. Mais Christiane prend tout au pied de la lettre, et refuse de comprendre. Son premier degré et son entêtement font enrager le fils et suscitent l’hilarité parmi les spectateurs, pas fâchés d’alléger la tension parfois oppressante de cet affrontement. Au torrent d’ingratitude fait homme, cette femme au cœur simple oppose avec un bon sens absolu sa place originelle de mère, son amour inconditionnel et viscéral qui n’a pas besoin de mots pour s’exprimer. On sent qu’elle se fait violence pour dire tout haut ses sentiments dans un monde où il est plutôt d’usage de les taire.
Une exploration au scalpel des liens familiaux
La grande Catherine Hiegel apporte à ce personnage son corps tremblant d’humanité, blessé par l’esprit cynique d’un fils. Pierre Palmade l’incarne avec une fiévreuse complexité, écartelé entre son désir de rompre le lien et l’impérieuse nécessité de s’y soumettre.
Tous deux remontent les flots tumultueux de leur histoire filiale, avant de connaître une certaine accalmie, avec l’arrivée de Françoise, une amie de la famille. Apaisement qui ouvrira la voie de la réconciliation. Cette exploration au scalpel des liens familiaux interpelle chacun d’entre nous. On peut tous se projeter dans ces relations universelles, reconnaître certains de nos travers, certaines impasses où l’on s’enferme et, qui sait, peut-être, arriver à en sortir.

Mère et fils en un combat touchant Catherine Hiegel et Pierre Palmade dans un face-à-face subtil et audacieux sur la scène du théâtre Montparnasse.
Ses cheveux blonds et mousseux sont comme les traces d’une enfance mal éteinte, d’une jeunesse lumineuse. Christiane, le personnage de mère de la pièce de François Bégaudeau, est incarnée par une comédienne ultrasensible et vive que le public a applaudie des dizaines d’années durant à la Comédie-Française, avant de la retrouver dans le circuit privé parisien. Catherine Hiegel face à Pierre Palmade, dans Le Lien, c’est une affiche !
Lui, avec sa grande carcasse et son visage d’oiseau tombé du nid, n’est pas seulement l’auteur drôle et piquant des seuls en scène ou des parcours avec ses sœurs de tréteaux, Muriel Robin, Michèle Laroque. Il est également un comédien aigu et profond qui avait beaucoup impressionné le public et la critique dans Home du Britanique David Storey mis en scène, et joué avec lui, par Gérard Desarthe, en 2015, au Théâtre de l’œuvre. Catherine Hiegel ne s’y est pas trompée qui a eu l’idée de cette rencontre sur les planches. Catherine Hiegel ne s’y est pas trompée qui a eu l’idée de cette rencontre sur les planches. Elle connaissait la pièce qu’elle avait lue à Théâtre Ouvert il y a plusieurs mois. Palmade a dit oui. Et les voici, face-à-face.
« Ni avec toi, ni sans toi »
C’est une très belle rencontre. Il est le petit dernier de cette femme simple, travailleuse, qui a été employée de la poste et qui sait bien qu’elle le préfère aux deux aînés… C’est qu’il n’est pas comme les autres. Il est devenu écrivain. Il est connu. Il lui rend visite par devoir, crispé, exaspéré, agressif. Elle n’a jamais osé lire les livres de ce rejeton qu’elle admire. Pourtant, lorsqu’il était petit, elle le conduisait à la bibliothèque. Elle est l’initiatrice à la littérature. Mais il ne veut pas le savoir. Il a honte. Elle, comme toutes les mères apeurées par leur progéniture, elle s’enferre dans des considérations prosaïques. Ce qu’elle maîtrise au quotidien les courses, la vie comme elle va.

François Bégaudeau commence sa pièce par un très long monologue de Christiane. Lui, Stéphane, est tellement énervé qu’il ne veut même pas terminer le déjeuner. Il veut tout casser, briser, claquer la porte. Faire souffrir sa mère.

Un duel classique, mis en scène par Panchika Velez. C’est le « ni avec toi, ni sans toi » de toute passion douloureuse. Il est dommage que le décor de Claude Plet soit si terne, si froid, comme les costumes. Cela éteint un peu la représentation qui donne le sentiment de patiner. Arrive Françoise, l’amie, incarnée par la formidable Marie-Christine Danède, habillée de jaune. Un rayon de soleil qui détend l’atmosphère.

Si on aime le jeu, on prend beaucoup de plaisir à observer Catherine Hiegel et Pierre Palmade. Ils sont subtils et audacieux. On est ému. Touché au cœur.

Armelle Héliot

Les Vies de Swann, écrit, mis en scène et joué par Marc Citti. Une situation très originale avec un enfant, Swann qui a le pouvoir de se projeter dans l’avenir et raconte à son père leur devenir. Ajoutons une maman et une jeune fille à apparitions changeantes (Marion Harlez-Citti, qui ressemble beaucoup à sa maman Christine Citti, sœur de Marc !). Une extraordinaire pépite, drôle et cocasse, tragique, tenue et bien menée.

On avait applaudi Le Temps des Suricates en 2017. Marc Citti revient avec Les vies de Swann et réussit un coup de maître. Comédien, metteur en scène, il faudra désormais le classer dans le panthéon des auteurs dramatiques contemporains, vivants. Marc Citti traite avec ingéniosité un sujet qui relève d’une science-fiction bien connue : celle qui défie la notion de temps. Il nous entraine dans son univers où se fracassent toutes les émotions. On rit beaucoup, on est surpris, attendri, ému, choqué… Le jeu des comédiens se moule joyeusement dans ces aventures burlesques, parfois violentes. Cet étonnant quatuor parvient même à nous faire entrer dans le cerveau de l’auteur et l’on finit par s’interroger : ces vies ne sont-elles pas en fait, les vies rêvées de Mathieu sans doute tétanisé par l’idée qu’un jour l’inspiration le fuira ? Avec Swann on pense bien sûr à Marcel Proust, un Proust négatif, puisqu’ici Mathieu court à la recherche du temps à venir. Par la maîtrise de l’écriture dramatique de Marc Citti. Il y parvient au-delà de toute espérance.

Au Cado d’Orléans, qu’il dirige, le metteur en scène Christophe Lidon nous offre une nouvelle version de Mademoiselle Julie. Un spectacle brûlant et brillant comme les feux de la Saint-Jean.

La première du spectacle était prévue le 20 mars 2020, puis il devait se jouer au Festival OFF d’Avignon. Mais la Covid est passée par là. Le Cado a fermé ses portes, le OFF a été annulé. Le voilà enfin, en ouverture de saison, sur cette très belle salle orléanaise. Acceptant les mesures sanitaires et la distanciation, les nombreux abonnés, trop heureux de retrouver leur théâtre, ont répondu présent. Le spectacle affiche complet. Rassurez-vous, il sera, en juillet, à l’affiche du théâtre des Halles au Festival Off d’Avignon et on l’espère, assez vite, dans une salle parisienne.

Jeune femme en feu
Mademoiselle Julie de Strindberg est un classique du théâtre contemporain. Montée par divers metteurs en scène, l’année 2020 a été son année. On croit connaître l’œuvre, mais chaque nouvelle lecture nous prouve qu’il y a toujours quelque chose à découvrir. En explorant les méandres du mal-être d’une jeune femme perdue dans un monde où elle ne trouve pas sa place, Christophe Lidon et Michael Stampe, qui signent une excellente adaptation, mettent le prisme sur les failles de Julie. Qu’est-ce qui fait qu’elle se comporte ainsi ? Doutant sur son présent et surtout son avenir, prise en étaux entre les visions de la vie, totalement opposées de ses parents, elle ne sait pas qui elle est et ce qu’elle désire vraiment. Dans cette nuit chaude et spéciale de la Saint-Jean, totalement perdue, elle va s’égarer, jusqu’à l’acte ultime.

Épatante Sarah Biasini
Ici, Julie n’est pas uniquement une petite fille riche capricieuse et tourmentée par la chair, c’est un être fragilisé par un univers déséquilibré. Au premier acte, elle croit dominer, cherche à déséquilibrer le monde qui l’entoure, celui des maîtres et des valets. Elle est alors lumineuse. Puis, prise dans son jeu du chat et la souris, elle va se troubler pour finalement chuter. Sarah Biasini est exceptionnelle dans ce rôle, jouant sur tous les registres, avec une grâce et une sincérité telles que l’on ne peut que s’attacher à son personnage. Dans une précision raffinée, elle en dévoile toutes les fragilités, les troubles et les faiblesses.

Yannis Baraban, monstrueusement humain
Le personnage de Jean prend également une ampleur différente. Il a des rêves, dont le principal et celui de sortir de sa condition. Scrupuleux, il prévient Julie qu’il est dangereux de jouer avec le feu, car il n’est pas de bois. Il aime donner des leçons, manipuler. Usant de ces charmes et de sa force, il va mettre la jeune femme plus bas que terre. Son seul scrupule, déplaire à Monsieur le Comte. Comme pour le personnage de Julie, celui de Jean va crescendo dans ses sentiments et ses actes. Yannis Baraban, formidable, incarne la sensualité et la dureté de cet homme, qui, le temps d’une nuit, va, comme une revanche sur sa condition, s’offrir la fille du maître.

Déborah Grall, en toute austérité
Le personnage de Christine gagne beaucoup dans ce spectacle. Elle est celle qui demeure droite dans ses bottes et ses principes. Vêtue de noir, en opposition à la robe blanche de Julie, comme une vieille dame avant l’âge, Christine sait que chacun doit rester à sa place. Déborah Grall est parfaite dans ce rôle, austère mais si pleine de bon sens et d’appétit de vivre.

Une mise en scène de belle facture
On aime les mises en scène de Christophe Lidon depuis bien longtemps. Ses spectacles, toujours d’une belle facture, sont de véritables enchantements de théâtre. Une fois encore, il a su nous toucher. Sa scénographie, comme toujours, est d’une grande finesse et de toute beauté. J’ose le dire, il m’a réconciliée avec Mademoiselle Julie. Merci.

Marie-Céline Nivière

A la fin du XIXe siècle, Mademoiselle Julie horrifiait les spectateurs de 1889 et des années qui suivirent. Une jeune aristocrate qui allume le désir d’un domestique, va jusqu’au bout de l’étreinte dans la nuit brûlante de la Saint-Jean et succombe à ce qu’on appelait le déshonneur, c’était révoltant. Mais, aujourd’hui, une fois le parfum de scandale dissipé (ce qui prit des décennies), la pièce de Strindberg, nous plaît par sa puissance extraordinaire mais aussi pour sa violence originelle : cela reste troublant, cette attraction folle de deux êtres que tout sépare, qui accomplissent leur désir en se méprisant, envisagent un instant une vie commune et choisissent, du moins pour l’héroïne, de payer le prix de la tragédie.
Christophe Lidon, après beaucoup d’autres (car on ne cesse de voir Mademoiselle Julie !), monte à son tour la pièce, dans une adaptation de Michaël Stampe précise dans le naturalisme brûlant des mots et des situations. Trois larges panneaux blancs encadrent le lieu de l’action où une longue table, qui sera renversée dans la fougue d’un amour empli de cruauté, prolonge une cuisine juste suggérée. Les panneaux accueillent des vidéos : images noir et blanc de l’actrice Sarah Biasini dans une gestuelle symbolique, danse par un groupe de danseurs, images symboliques traduisant le climat de la rencontre et le mental des personnages. Cette partie filmée n’est pas sans qualités mais elle se déroule en étapes, ce qui rompt quelque peu l’unité de la soirée. Est-ce que la pièce n’est pas davantage une course sauvage et inéluctable qu’il ne faut pas interrompre ?
Course sauvage. Notre terme doit être nuancé car – et cela, la mise en scène finement pointilliste de Lidon, qui privilégie à juste titre le moment sensuel et se moque du contexte historique, le détaille très bien – il y a dans l’attitude des deux amants des allers et retours, des piétinements, du sur-place, des contradictions, des affolements, du brûlant et du glacial. Ces lignes tantôt sinueuses, tantôt brisées, les deux interprètes les dessinent avec beaucoup d’intelligence et de personnalité. Sarah Biasini donne à Julie une jeunesse adolescente qui a un double poids de passion et de désinvolture et où l’âpreté est feutrée. On est habitué, face à ce rôle, à plus de violence mais l’actrice prend le parti d’une composition plus intériorisée et songeuse, où s’inscrivent en ricochets les gouffres du personnage. Yannis Baraban joue Jean, le valet, dans une concentration puissante et parfaite : ce Jean est ignoble mais, sous la veulerie et l’opportunisme, Baraban fait apparaître un juste besoin de revanche et l’exact désarroi d’un homme qui joue la partie la plus difficile et la plus excitante de sa vie. Assurant la partition brève mais capitale de la cuisinière, Deborah Grall apporte une note heureuse de rugosité matinée de tendresse. Le spectacle est profond, en quête pourtant d’une intimité qui, dans la scénographie actuelle, sur un grand plateau, n’a pas encore toute son intensité.

Mademoiselle Julie d’August Strindberg, version scénique de Michaël Stampe, mise en scène et scénographie de Christophe Lidon, lumières de Cyril Manetta, costumes de Chouchane Abello-Tcherpachian, musique de Cyril Giroux, images de Léonard, assistanat à la mise en scène de Valentine Galey, avec Yannis Baraban, Sarah Biasini, Deborah Grall. (Chorégraphie du bal filmé : Maud Le Pladec, directrice du Centre chorégraphique national d’Orléans avec les amateurs d’Orléans).

Gilles Costaz

Publié le 17 septembre 2020 | Par Laurent Schteiner